Эта книга, с одной стороны, нефилософская, с другой — исключительно философская. Ее можно рассматривать как  исследовательскую работу, но  в  определенных концептуальных рамках. Автор попытался понять вселенную Тарантино так, как  понимает ее режиссер, и  обращался к жанровому своеобразию тарантиновских фильмов, чтобы доказать его уникальность. Творчество Тарантино автор разделил на три периода, каждому из которых посвящена отдельная часть книги: первый период — условно криминальное кино, Pulp Fiction; второй период — вторжение режиссера на территорию грайндхауса; третий — утверждение режиссера на территории грайндхауса. Предпоследний период творчества Тарантино отмечен «историческим поворотом», обусловленным желанием режиссера снять nazisploitation и  подорвать конвенции спагетти-вестерна. С «Однажды в… Голливуде» начинается новый этап творческого пути режиссера. Этому фильму в тексте уделяется особое внимание. Кроме того, в книге детально разбирается то, как был принят каждый фильм Тарантино в медиа.

Выпускник Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, скульптор Ян Янович Нейман (1946–2017) известен, прежде всего, своими монументальными композициями. Среди них - памятник маршалу Г. К. Жукову, памятник И. С. Тургеневу. Каталог, подготовленный к выставке, раскрывает иные творческие грани художника, знакомит с графическим наследием автора и его камерными скульптурными работами. В текстах впервые рассматриваются вопросы творческой биографии мастера в его целостности, равно как и эволюции его стилистики. 

Книга посвящена ленинградскому архитектору Николаю Александровичу Митуричу (1891– 1973), чье творчество до сих пор оставалось практически неизученным в отечественной историографии. Однако его долгая и невероятно насыщенная творческая карьера будет открытием для всех, кто интересуется отечественным искусством первой половины ХХ века. Митурич оказался участником важнейших событий истории ленинградской архитектурной школы в период первых послереволюционных десятилетий. Его наследие разнообразно: от парковых киосков и спортивных павильонов до Дворцов культуры и театральных зданий. В издании собраны уникальные материалы личного архива архитектора. Впервые публикуется более 100 документов: фотографии, архитектурные проекты, эскизы мебели, театральная сценография, а также дневник и рисунки, созданные в ходе поездки на фронт во время Первой мировой войны.

 

В настоящем исследовании рассматривается история видеоарта как особой формы экранного искусства, последовательно нарушающей правила и традиции, выработанные в кинематографе и на телевидении. Александра Першеева показывает, как с помощью монтажа оказывается возможно сталкивать между собой только образы, но и целые дискурсивные поля, как на стыке кадров возникают смыслы, а при совмещении экранов — выстраиваются миры. Каждая из глав книги посвящена одному из типов монтажа, рассказывается о его возникновении и функционировании в экранной культуре, а затем об экспериментах художников, меняющих ставшие привычными способы «монтажного мышления». Отдельное внимание автор уделяет роли залов галереи, которые, в отличие от кинотеатра, открывают эстетические возможности «пространственного монтажа», а также роли зрителя, который в поле видеоарта становится соавтором художника. В работе упоминается и анализируется более 250 экспериментальных фильмов и видео, которые могут быть интересны как специалистам, так и широкому кругу любителей современного искусства.  

Книга посвящена анализу творчества Яна Вермеера в контексте развития Делфтской школы и, шире, искусства Барокко. В фокусе внимания автора находится стиль Вермеера, который, с одной стороны, хорошо вписывается в принятые в Голландии традиции жанровой живописи, а с другой стороны, обладает неповторимыми чертами, выводящими жанровую картину на уровень символического обобщения. Первые 9 глав книги представляют собой планомерный рассказ о разных аспектах искусства Вермеера, а в 10-й главе представлено размышление о том, как принципы живописи "делфтского сфинкса" резонируют с современным искусством.

Многие используют слово "культовый" в повседневном языке. Чаще всего этот термин можно встретить, когда речь идет о кинематографе. Однако далеко не всегда это понятие употребляется в соответствии с его правильным значением. Впрочем, о правильном значении понятия "культовый кинематограф" говорить трудно, и на самом деле очень сложно дать однозначный ответ на вопрос, что такое культовые фильмы.
В этой книге предпринимается попытка ответить на вопрос, что же такое культовое кино — когда и как оно зародилось, как развивалось, каким было, каким стало и сохранилось ли вообще. И если сохранилось, то как о нем следует говорить сегодня. Книга состоит из двух неравных частей. В первой — теоретико-методологическом введении — автор предлагает собственный взгляд на то, каким образом сегодня можно рассуждать о культовом кино. Во второй части представлен фактический материал — сто двадцать три эссе о культовых фильмах в хронологическом порядке, чтобы читатель мог составить представление об эволюции феномена.
Монография будет интересна не только культурологам и социологам, но и всем, кто любит кино, а особенно тем, кто ценит нестандартный кинематограф.

В монографии представлен образ города, зафиксированный в песнях, легендах, загадках. В поле зрения авторов – миромоделирующий аспект современного фольклора. Для лингвистов, фольклористов, культурологов и всех, кто интересуется современным фольклором.

За последний век художники создали множество произведений, которые бросают вызов традиционным моделям гендера и сексуальности. Серьезные или игривые, гротескные или лиричные, полные скрытых подтекстов или обращающиеся к зрителям напрямую, эти произведения поражают разнообразием. Книга Алекса Пилчера предлагает читателям краткий путеводитель по квир-искусству всего мира. Среди ее тем — тело и идентичность, любовь и желание, исповедь и протест, выраженные средствами живописи, скульптуры, рисунка, фотографии и инсталляции. Семьдесят выдающихся произведений, созданных в период с 1900 года до наших дней, показывают, каким разным может быть квир-опыт в зависимости от времени и места и как в искусстве запечатлевается история меняющихся мировоззрений.

Зоолог, этолог и последний из ныне живущих художников-сюрреалистов Десмонд Моррис объединил в этой книге две стороны своего опыта — науку и искусство. Рассказывая о том, как возникли и какие значения приобретали на протяжении истории различные жесты и позы, он посвящает читателя в захватывающие тайны художественных произведений.

Автор анализирует, почему Наполеон позировал для парадных портретов, заложив правую руку за лацкан мундира, и почему рыцарь на полотне Эль Греко прижимает к груди ладонь, отставив в стороны указательный палец и мизинец. Множество приводимых автором примеров из визуальной культуры — от первобытных антропоморфных фигурок до современных граффити — заставляют по-новому взглянуть на историю искусства.

Монография «современный хореографический дискурс» представляет результат проводившихся авторами с 2014 по 2019 гг. научны исследований в области хореографического искусства по перспективной для теории и истории хореографии проблематике, включающей методологически значимые вопросы аксиологии, семиотики и социологии хореографического искусства. Обсуждаются имеющие практическую значимость проблемы восприятия и отношения искусствоведения и художественной критики XXI века к прошлой, современной и постсовременной истории хореографического искусства.

Кроссовки давно стали не только феноменом современной моды, но и феноменом современной культуры, привлекательным и противоречивым одновременно. Книга историка спортивного дизайна и журналиста Екатерины Кулиничевой представляет собой попытку посмотреть на историю этого вида обуви не через историю брендов и моделей, а через ту роль, которую спортивная обувь играла и играет в культуре, через ее «культурную биографию», которая во многом определяет наше отношение к этому предмету гардероба. Именно эта биография находится в фокусе внимания автора. Кроссовки оказываются героями не только истории спорта и моды, но также истории повседневности, медицины и телесности, технических изобретений и промышленности, кино, музыки, субкультур и т. д. В числе героев книги не только бренды и спортсмены, но и режиссеры, музыканты и обычные потребители моды, принимающие или отвергающие кроссовки. Отдельное внимание уделяется кроссовкам как объекту коллекционирования.

На протяжении двух десятилетий в конце ХХ века социальные теоретики, философы, литературоведы, искусствоведы и т. д. спорили о том, что такое постмодернизм. Однако уже в начале XXI столетия почти все теоретики «постмодернизма» отказались от этого термина. Постмодерн как язык описания эпохи уступил место чему-то другому, и разные авторы стали предлагать собственные концепции новой культурной логики. Этот универсум теорий получил название «постпостмодернизм». После краткого введения в проблему постмодерна автор обращается ко всем этим концепциям разных масштабов и разной популярности — гипермодернизму, постгуманизму, сверхмодернизму, трансмодернизму, неомодернизму, альтермодернизму, перформатизму, реновализму, космодернизму, метамодернизму, автомодернизму, диджимодернизму, реалистическому капитализму и т. д. Отдельно рассматриваются попытки художников и деятелей искусства упразднить постмодернизм за счет манифестов и арт-движений — стакизма, ремодернизма, интентизма, off-модернизма, группы художников-неомодернистов. Книга адресована философам, культурологам, социологам, искусствоведам, филологам и всем, кому интересна судьба постмодернизма.

В книгу о социологе Данииле Дондурее (1947-2017) включены фрагменты его текстов, последние публикации, а также избранные беседы, которые он инициировал и модерировал в журнале «Искусство кино» на протяжении многих лет. Разносторонние интересы и занятия ДД определили и круг авторов, размышляющих о его идеях, работах и стратегии журнала, в котором он был главным редактором почти четверть века. Жанр мемуаров в этой книге сочетается с аналитическими статьями его коллег (на разных этапах деятельности ДД), его взыскательных читателей, слушателей и авторов «Искусства кино».

Книга посвящена мало известной истории и искусству христиан- ской державы — северокавказской Алании, и охватывает Χ–ΧV вв. В монографии разбирается история аланского христианства, цер- ковная архитектура и монументальная живопись. Представлены результаты раскопок авторов. Издании сопровождает обширный изобразительный материал, в т. ч. уникальные архивные фотогра- фии, рисунки и чертежи. Книга содержит также три приложения корпусного типа: о ка- менных и металлических кресты с территории Алании (В. Н. Чхаидзе), о кирпиче в церковном зодчестве Кавказа (Д. Д. Ёлшин), о пе- трографическом анализе кавказского кирпича (А. Ю. Виноградов, Д. Д. Ёлшин, М. А. Кулькова). Предназначена для специалистов по истории, искусств и архео- логии Кавказа и Христианского Востока, а также для всех интере- сующихся историей Северного Кавказа.

Не так давно телевизионные сериалы в иерархии художественных ценностей занимали низшее положение: их просмотр был всего лишь способом убить время. Сегодня «качественное телевидение», совершив титанический скачок, стало значимым феноменом актуальной культуры. Современные сериалы — от ромкома до хоррора — создают собственное информационное поле и обрастают фанатской базой, которой может похвастать не всякая кинофраншиза. Самые любопытные продукты новейшего «малого экрана» анализирует философ и культуролог Александр Павлов, стремясь исследовать эстетические и социально-философские следствия «сериального взрыва» и понять, какие сериалы накрепко осядут в нашем сознании и повлияют на облик культуры в будущем.

Статья представляет собой краткий комментарий на исследование С.А.Зинченко о генезисе образа сирены-ихтиоморфа в искусстве эллинизма. В нашем комментарии идет речь о средневековых изображениях сирен и христианских текстовых источниках, повлиявших на сложение образа сирены-рыбы в западноевропейском средневековье, а также о возможной связи этого образа с античными протографами. 

Сегодня художники активно включаются в дискуссию о репрезентации прошлого. В современных выставках все чаще можно увидеть обращение к историческим свидетельствам, личным и семейным архивам, каждый раз по-новому осмысляющее значение памяти о прошлом. Включая документ как часть произведения, художники создают особый тип высказывания, существующий на пересечении художественного и документального. Данная статья посвящена способам использования документа в современном искусстве. Как художники и кураторы включают документ в пространство выставки? Что попадает в фокус интереса художников, а что остается за пределами показа? В статье рассмотрены три выставки, проходившие в Москве в 2018–2019 гг.: «Промзона» Павла Отдельнова в Московском Музее современного искусства, «Анна Франк. Дневники Холокоста» в Еврейском музее и центре толерантности, «Засушенному – верить» в Международном Мемориале. Выставки предлагают разные способы работы с документами: соединение личных дневников и современного искусства, создание квази-музея, использование документов в образовательном проекте. Документы становятся способом рассказа истории и формируют разное отношение к памяти, которое, если понимать выставку как социальное и политическое действие, выходит за пределы художественного восприятие в общее пространство культуры.

Социальный дизайн на сегодняшний день является одной из наиболее актуальных практик, реализующих множество стратегий «ответственного» проектирования, где конечной целью является не увеличение прибылей или символического капитала, но улучшение качества жизни людей. Современное общество сталкивается с множеством так называемых проблем «порочного круга», сложных социо-технических проблем системного характера (растущее неравенство, экологические проблемы, недостаточность инклюзивных проектов в сфере услуг и так дальше), для решения которых необходимо не применять традиционные решения «сверху», а разрабатывать и внедрять проекты в рамках «горизонтальных» связей дизайнера и его целевой аудитории. Таким образом, социально-ответственное проектирование, как показывают авторы статьи, становится продолжением практики «жизнестроительства», начатой в период русского авангарда

Статья посвящена малоизученному в отечественной и британской историографии вопросу контактов между советскими и британскими архитекторами в период 1920–1930-х годов. Проблема рассмотрена одновременно в двух ракурсах. С одной стороны, анализируются политические и социально-экономические обстоятельства организации подобных командировок в Англии, профессиональные цели и задачи визитов, а также проблема рецепции и интерпретации английскими специалистами советской архитектурной и градостроительной практики. Второй аспект, которому уделено внимание, — особенности программы показа советской архитектуры, которая была организована принимающей стороной. С тех пор как в начале 1930-х годов состоялся ряд визитов иностранных архитекторов с ознакомительными поездками в СССР, характер взаимного интереса к творческому опыту советских и английских коллег в течение десятилетий не

раз менялся. Главной задачей исследования была попытка в первом приближении рассмотреть начальный этап этих взаимоотношений (конец 1920-х — 1930-е годы) и наиболее важные формы коммуникации между английскими и советскими зодчими. Анализ материалов позволяет прийти к выводу, что более консервативная среда, представителями которой были приезжавшие в СССР английские архитекторы, давала серьезную почву для скепсиса и мешала советской стороне произвести то впечатление, на которое она рассчитывала. Прокоммунистически настроенные Бертольд Любеткин и Эрно Голдфингер, представители Современного движения в Англии и сами недавние эмигранты, в те годы не решились на поездку в Россию. Однако, даже несмотря на это обстоятельство, интерес к эксперименту советских архитекторов и нового государства в целом был велик. Приводится анализ путешествий, организованных благодаря работе Общества культурных связей между Британским Содружеством и СССР, ВОКСа, «Интуриста», советских торговых представительств. Использованы материалы русских и британских архивов, в том числе ранее непубликовавшиеся записи Бертольда Любеткина и Эрно Голдфингера.

-

Данное исследование посвящено феминистскому нарративу, который рассмотрен через призму фильма в жанре «horror», или «фильма ужасов», через репрезентацию тела посредством костюмов и сет-дизайна. Анализ ведется на примере фильма «Суспирия» режиссера Луки Гуаданино (2018). Особое внимание уделяется интерпретации в этом фильме современного танца как ритуала. Методология, использованная в статье, включает следующие инструменты: контент-анализ, тематическое исследование и историко-сравнительный анализ. Статья начинается с введения, где дается комментарий к терминам «саспенс» и «Монстр феминной природы». Введение демонстрирует как фемининность служила альтернативой конвенциональным патриархальным институциям, а также подчеркивает выбор феминистического акцента в фильме о ведьмах. Далее в статье разбираются сюжет с присутствующими в нем перформативными элементами. Танец анализируется как  сложный ритуальный феномен, состоящий из фаз лиминальности. И наконец, статья признает ценный вклад костюмов в способствовании ритуальной пре-лиминальности.     

Китайская живопись рубежа ХХ – XXI вв. отмечена исторически небывалым разнообразием техник, художественных стилей и жанров. Распространение масляной живописи в Китае нарушило монополию традиционной водно-клеевой живописи, но не ее лидерство. В статье дается характеристика современного этапа развития реалистической масляной живописи в Китае. Для анализа выбраны полотна художников Ло Чжунли (1948 г.р.) и Ай Сюаня (1947 г.р.). На примере их творчества впервые исследуется процесс китаизации масляной живописи и рассматривается значение тибетской тематики в современной живописи КНР. Актуальность темы связана с тем, что западное искусствоведение не уделяет должного внимания китайским художникам масляной живописи, в результате чего западные зрители и коллекционеры оказываются плохо подготовленными к китайским аукционам и выставкам. В статье комплексно используется искусствоведческое описание, философско-эстетический анализ, культурологическая методология и социологический подход.

На рубеже 1970-1980-х гг. в китайской масляной живописи пафосный революционный стиль сменяется направлением «живописи деревенского реализма», в котором образуется так называемая «тибетская группа». Тема жизни нацменьшинств оформляется в отдельный жанр, но именно произведения тибетской тематики оказываются наиболее многочисленными и пользуются успехом на конкурсах и выставках в КНР. Стиль живописи Ло Чжунли эволюционировал от реализма к неоэкспрессионизму. Тибетская тема интересовала художника на раннем реалистическом этапе его творчества. Идейной основой его реалистического стиля в тибетских сюжетах был традиционный идеал «архаической простоты» (гу пу). Позднее Ло Чжунли отказывается от западной манеры письма, применяет в масляной живописи китайскую технику линеарной живописи баймяо и штрихов-цунь. Ай Сюань, напротив, сохраняет верность реалистической стилистике и сочетает ее с приемами лирического экспрессионизма. Ай Сюань приближает фактуру масляной живописи к эффектам традиционной водно-клеевой живописи за счет увеличения прозрачности слоев масляной живописи.

 Уникальное академическое издание духовной поэзии японского средневековья подготовлено одним из ведущих российских востоковедов профессором НИУ ВШЭ Александром Долиным. Впервые в истории мирового японоведения на примере творчества крупнейших поэтов прослеживается эволюция религиозных воззрений различных буддийских школ, отразившаяся во всем многообразии жанрово-стилистических особенностей стиха. Обширная  историческая панорама, включающая шедевры пейзажной и медитативной лирики, воссоздает эстетическое мироощущение поэтов и мыслителей разных эпох на протяжении восьми столетий. Шедевры Сайгё, Дзякурэна, Тэйка, Иккю и других бессмертных японского поэтического пантеона соседствуют в книге с творчеством рядовых монахов и горных отшельников. Наряду с наиболее распространенным классическим жанром танка в книге широко представлена поэзия канси, служившая на протяжении веков основным инструментом философского дискурса, а также поэзия имбун из  создававшегося монахами-сказителями героического  самурайского эпоса. Книга снабжена фундаментальным научным аппаратом. Предназначена для специалистов-востоковедов и для широкого круга читателей, интересующихся культурой Востока.

Позднесоветское цирковое искусство и киномузыка являются актуальнейшими наследниками неизжитых социальных смыслов, которые до сих пор присутствуют в нашей культурной жизни, и пока с этим никто расставаться не собирается. Музыка Эдуарда Артемьева звучит в сетевых продуктовых магазинах. Произведения Алексея Рыбникова, Микаэла Таривердиева, Исаака Шварца звучат в метро. И, хотим мы этого или нет, мы вынуждены переваривать эти смыслы, возвращаться к ним, употреблять их, размышлять над ними. Поэтому изучение позднесоветской культурной политики — это очень актуальная сфера. 

.

Препринт посвящен украинским архитектурным формам в русской архитектуре XVIII века. В нем рассматриваются механизмы использования этих элементов в контексте интенсивного культурного обмена между Россией и Украиной. В результате обнаруживается принципиальное различие между двумя грурпами сооружений. В первой украинские формы используются намеренно, для создания специального иконографического подобия. Во второй украинизмы пристуствуют лишь как элемнты архитектурной моды, не "отсылая" к соответсвующим украинским зданиям-образцам. Проведенный анализ имеет важное значения для понимания механизмов заимствования и смыслопорождения в русской архитектуре XVIII в. 

Экспортная китайская живопись, занимавшая мало значимый, с точки зрения художественной ценности, сегмент на европейском рынке XVIII-XIX вв., в отличие других видов декоративно-прикладного искусства, до недавнего времени не являлась предметом внимательного изучения ученых. В фондах Российской национальной библиотеки имеется собрание китайских рисунков, изучение которых поможет заполнить лакуны в исследовании многочисленных видов китайского экспортного искусства и художественных ремесел XVIII-XIX вв.

Видеозапись + полный текст лекции Какие мифические комплексы лежат в основе представлений об античной архитектуре? Как в зданиях и кораблях проявляется изоморфность человеческому телу? Для чего в римские храмы и гробницы встраивали «глаза»? Почему Витрувий требует от архитектора знания мифологии?

Об истоках карикатуры и различных формах подражания в искусстве.

The paper examines social features and cultural profile of the audience of Manifesta 10, first global scaled art-event ever hold in St. Petersburg and Russia as well. Based on the empirical study of 400 formalized interviews with biennale visitors (July-September 2014), this paper compares the audience of Manifesta 10 with visitors of European art-events, firstly previous edition of Manifesta. Despite the democratization of the field of contemporary art (including the elimination of the financial barrier to access to the exhibition), the research shows that the majority of visitors are people with higher education and income slightly exceeding national average. The significant differences were found also: Russian audience is biased towards younger visitors (more than 70% is younger than 35) and gender misbalanced. The study also shows the differences between the patterns of art-tourism in Russia and Europe:  European event attracts larger flows from neighboring regions, in Russia there is a long tail: small groups from many distant locations.   

В тексте в обзорно-аналитическом ключе представлены дискуссии, ведущиеся в теоретических работах последних трех-пяти лет по поводу происходящих с кинематографом изменений и связи этих изменений с задачами и статусом самой науки о кино, ее методологическими возможностями и ограничениями. В качестве центрального ядра дискуссий выделена проблема меняющегося объекта cinema studies. С помощью наиболее адекватного в каждом случае методологического инструментария в тексте анализируются четыре ключевых, с точки зрения автора, фактора трансформации кино на протяжении последних полутора десятилетий. Это переход кино с аналогового способа передачи изображения на цифровой; диверсификация способов распространения и просмотра фильмов, а также появление новых стратегий зрительского восприятия; кризис нарратива, вызванный развитием новых технологий; и уменьшение влиятельности модели европейского Арт-синема.